Seit einigen Jahren lässt sich das vermehrte Aufkommen sogenannter Fablabs bzw. Makerspaces feststellen. Hier haben Personen die Möglichkeit, u.a. durch die Nutzung digitaler Werkzeuge und Materialien Dinge zu kreieren, zu reparieren oder einfach experimentell und spielerisch neue Hardware- und Software-Technologien zu erproben. Dabei stehen der informelle Austausch und das selbstorganisierte Handeln in diesen öffentlichen Räumen an oberster Stelle.
Aus erziehungswissenschaftlicher Sicht eröffnen Fablabs und Makerspaces auf der einen Seite Potenziale für informelle Lern- oder Bildungsprozesse, indem sie Situationen schaffen, die spielerische Erfahrungen mit neuen Technologien ermöglichen und zugleich Austauschmöglichkeiten für potenziell heterogene Akteure bieten. Auf der anderen Seite stellen sich Fragen nach diskursiven (Re-)Produktionsweisen und Positionierungen (etwa in Bezug auf hegemoniale Subjektfiguren, digitalem Kapitalismus oder Kreativitätsimperativen), die sich in diesen Kontexten finden lassen.
Jun.-Prof. Dr. Patrick Bettinger ist als Juniorprofessor für Erziehungswissenschaftliche Medienforschung an der Universität zu Köln tätig. Er promovierte im Bereich der qualitativen Medienbildungsforschung und befasst sich unter anderem mit praxis- und diskursanalytischen Zugängen im Kontext medienpädagogischer Fragestellungen.
WellWellWell (a riff on //www.) is Marisa Olson’s newest performative project to consider the nature of life in the postinternet era. Deploying both internet-based videos & live motivational lectures, Olson has crafted an alterego persona resembling an online meditation guru with a cult following as addicted to her as they are to the internet itself. The guru’s videos and lectures guide followers through creative visualization exercises, relaxation techniques, and heartfelt conversations about the way that digital technologies simultaneously stress us out and provide new tools for rebooting. WellWellWell is inspired by the contemporary wellness craze, but rooted in the historical relationship between cyberculture & counterculture, and continues Olson’s ongoing interests in the history of technology. wellwellwell.guru/
Marisa Olson’s work combines performance, video/new media, painting/drawing, and installation to address the cultural histories of technology and wellness, experiences of gender, and the politics of participation within pop culture. Her work has been presented by the Whitney Museum, New Museum, Venice Biennale, Fotomuseum Winterthur, C/O Berlin, National Museum of Contemporary Art-Athens, Tate Modern + Liverpool, British Film Institute, PS122, Performa Biennial, Samek Museum, Bard CCS, and she is also a founding member of the Nasty Nets internet surf club who showed at the Sundance Film Festival, New York Underground Film Festival, and elsewhere. Her work has been written about in the New York Times, Interview, Frieze, Art in America, Art21, Folha de Sao Paolo, Liberation-Paris, Le Monde, the Wall Street Journal, the Globe and Mail, Dis, Dazed, and her own critical writing has appeared in Artforum, e-flux, Aperture, Flash Art, Art Review, Afterimage, The Guardian, Wired, Surface, and numerous books in multiple languages. She is the former Editor & Curator of Rhizome, and the former Associate Director of SF Camerawork; has curated projects at the New Museum, Guggenheim, SFMOMA, White Columns, and Artists Space; and served on Advisory Boards for Ars Electronica, Transmediale, ISEA, Creative Capital, the Getty Foundation, Rockefeller Foundation, Kennedy Center, and Tribeca Film Festival. She was Artist-in-Residence at Eyebeam, Master Artist in Residence at the Atlantic Center for the Arts, and has been a Visiting Artist at Yale, Brown, VCU, SAIC, Oberlin, and elsewhere in addition to serving on the faculty at RISD and NYU. Olson studied Fine Art at Goldsmiths College, History of Consciousness at UC Santa Cruz, and Rhetoric at UC Berkeley. She was born in Germany and lives in New York.
Ringvorlesung Master Intermedia
Mi, 09.05.2018 | 18:00 Uhr
Institut für Kunst und Kunsttheorie | Block B | .theater
R 2.212 | Gronewaldstraße 2 | Köln
WellWellWell (a riff on //www.) is Marisa Olson’s newest performative project to consider the nature of life in the postinternet era. Deploying both internet-based videos & live motivational lectures, Olson has crafted an alterego persona resembling an online meditation guru with a cult following as addicted to her as they are to the internet itself. The guru’s videos and lectures guide followers through creative visualization exercises, relaxation techniques, and heartfelt conversations about the way that digital technologies simultaneously stress us out and provide new tools for rebooting. WellWellWell is inspired by the contemporary wellness craze, but rooted in the historical relationship between cyberculture & counterculture, and continues Olson’s ongoing interests in the history of technology. http://wellwellwell.guru/
Marisa Olson’s work combines performance, video/new media, painting/drawing, and installation to address the cultural histories of technology and wellness, experiences of gender, and the politics of participation within pop culture. Her work has been presented by the Whitney Museum, New Museum, Venice Biennale, Fotomuseum Winterthur, C/O Berlin, National Museum of Contemporary Art-Athens, Tate Modern + Liverpool, British Film Institute, PS122, Performa Biennial, Samek Museum, Bard CCS, and she is also a founding member of the Nasty Nets internet surf club who showed at the Sundance Film Festival, New York Underground Film Festival, and elsewhere. Her work has been written about in the New York Times, Interview, Frieze, Art in America, Art21, Folha de Sao Paolo, Liberation-Paris, Le Monde, the Wall Street Journal, the Globe and Mail, Dis, Dazed, and her own critical writing has appeared in Artforum, e-flux, Aperture, Flash Art, Art Review, Afterimage, The Guardian, Wired, Surface, and numerous books in multiple languages. She is the former Editor & Curator of Rhizome, and the former Associate Director of SF Camerawork; has curated projects at the New Museum, Guggenheim, SFMOMA, White Columns, and Artists Space; and served on Advisory Boards for Ars Electronica, Transmediale, ISEA, Creative Capital, the Getty Foundation, Rockefeller Foundation, Kennedy Center, and Tribeca Film Festival. She was Artist-in-Residence at Eyebeam, Master Artist in Residence at the Atlantic Center for the Arts, and has been a Visiting Artist at Yale, Brown, VCU, SAIC, Oberlin, and elsewhere in addition to serving on the faculty at RISD and NYU. Olson studied Fine Art at Goldsmiths College, History of Consciousness at UC Santa Cruz, and Rhetoric at UC Berkeley. She was born in Germany and lives in New York.
Marisa Olson spricht im Skype-Interview über ihre künstlerischen Projekte, ihre Hoffnungen für das Internet und ihren baldigen Vortrag am Institut für Kunst und Kunsttheorie in Köln (09.05.2018, 18 Uhr, .theater).
Am 7.6.2018 findet am Institut für Kunst & Kunsttheorie der Universität zu Köln ein Nachwuchsforschungstag zu postdigitaler Kunst und Medienkultur statt.
Vor dem Hintergrund fortschreitender Digitalisierung entstanden in den letzten Jahrzehnten besonders in den Medien- und Kulturwissenschaften Versuche, strukturelle Veränderungen im Zusammenhang mit neuen Technologien auf sozialer und kultureller Ebene unter Bezug auf Begriffskonzepte wie „Post-Internet“ und „Post-Digital“ zu beschreiben. Der Präfix „Post“ betont dabei die Allgegenwart digitaler Medien und steht als Marker für eine neue Qualität der Digitalität, die sich auf – oftmals wenig sichtbare – Transformationen des Digitalen in neue (Macht-)Strukturen bezieht (Cramer 2015). Im Vorfeld der Tagung Because Internet. wird am 7.6.2018 ein durch das Grimme-Forschungskolleg geförderter Forschungstag für wissenschaftlichen Nachwuchs stattfinden, der sich postdigitalen Theoriekontexten in drei größeren Bereichen widmet.
Postdigitale Gesellschaft
Wie sind soziale, politische, kulturelle Bedingungen zu beschreiben, die mit fortschreitenden Digitalisierungsprozessen einhergehen? Welche Parameter sind insbesondere für postdigitale, d.h. bereits verstetigte und tiefgreifende Effekte der Digitalisierung (Cramer 2015) wichtig und lassen sich als solche deskriptiv beschreiben? Welche sind spekulativ, prognostisch, normativ und möglicherweise für zukünftige ‚nächste Gesellschaft(en)‘ (Baecker 2007) charakteristisch und welche können Grundlage kunst- und medienpädagogischer Forschung sein? (vgl. Jörissen 2015)
Postdigitale Kunst und Kultur
Wie wirken sich die neuen Rahmenbedingungen insbesondere auf künstlerische und kulturelle Praxen aus? Welche Aktualisierungen tradierter Begriffe bringen neue Formen kultureller Artikulationen hervor und wie manifestieren sich diese? Welche Formen der Auseinandersetzung finden Künstler*innen mit neuen Möglichkeiten der Kommunikation und Interaktion vor dem Hintergrund veränderter Alltagspraxen? Wie werden die Themen und Fragen postdigitaler Gesellschaft hier exemplarisch verhandelt und welche (Reflexions-)Formen werden dabei verhandelt? (vgl. Cornell/Halter 2015, Bühler 2015)
Postdigitale Bildung
Wenn Wissen vor allem zwischen den Akteur*innen eines vernetzten Kollektivs gedacht wird (Lévy 2008), sich womöglich die Zustände und Formen von Wissensstrukturen grundsätzlich verändern/verändert haben (Bunz 2012) und Bildungsinstitutionen mit ‚uneindeutigen Subjekten‘ (Schachtner/Duller 2015) konfrontiert werden, müssen auch Verhältnisse und Bedingungen von Bildung neu befragt werden. Welche bildungstheoretischen und gleichermaßen praxisrelevanten Anschlüsse sind im Kontext einer postdigitalen Gesellschaft – mit dem Fokus postdigitaler Medienkultur und Kunst – denkbar? (vgl. Meyer 2015, Jörissen 2015)
Initiator*innen und Veranstalter*innen: Kristin Klein & Willy Noll
Critical Friends: Patrick Bettinger & Konstanze Schütze
In Kooperation mit: Harald Gapski (Grimme-Institut)
http://kunst.uni-koeln.de/becauseinternet/nachwuchsforschungstag/
Am 2.5.2018 fand im Brandenburgischen Zentrum für Medienwissenschaften (ZeM) im Rahmen des BMBF-geförderten Projekts Postdigitale Kunstpraktiken in der Kulturellen Bildung (PKKB) nach einem Vortrag der Künstlerin Marisa Olson eine Paneldiskussion mit Marie-Luise Angerer, Jan Distelmeyer, Kristin Klein (Projekt PIAER), Magdalena Kovarik, Marisa Olson, Anne Quirynen und Hanne Seitz statt. Diskutiert wurden u.a. die Begriffe Post-Internet und Post-Digital:
The terms #postinternet and #postdigital try to grasp recent transformations in the ways we live, think and interact. While learning machines densify, simplify and x-ray our life, the discourse tries to examine the trajectories of these developments and their significances for contemporary culture and future subjectivities. Do we learn from the machine, or does the machine learn from us?
On May 2nd the project PKKB (‘Postdigitale Kunstpraktiken in der Kulturellen Bildung’ / ‘Postdigital Art Practices in Cultural Education’) invites to the workshop ‘Postinternet vs. Postdigital’ to ZeM in the center of Potsdam. NYC based artist Marisa OIson will give a talk about her work, her new project WellWellWell, as well as her personal perspective on the ‘postinternet’ within the arts. In a following panel talk Judith Ackermann, Marie-Luise Angerer, Jan Distelmeyer, Kristin Klein, Magdalena Kovarik, Marisa Olson, Anne Quirynen and Hanne Seitz will discuss about what that means for our society as well as the role of artists, scientists and theorists within it.
Postinternet vs. Postdigital
4.00 p.m. Project introduction by Benjamin Egger (PKKB)
4.15 p.m. Artist talk Marisa Olson: WellWellWell, postinternet (art) & network culture
5.00 p.m. Panel discussion (Host: Judith Ackermann): Marie-Luise Angerer, Kristin Klein, Magdalena Kovarik, Marisa Olson, Anne Quirynen, Hanne Seitz, Jan Distelmeyer
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Projekt Postdigitale Kunstpraktiken in der Kulturellen Bildung: https://pkkbblog.wordpress.com/
Das Internet, die Digitalisierung und die enorme Steigerung der Rechenleistungen verändern seit mehreren Jahrzehnten kulturelle Praxen online wie offline und haben so weitreichende wie durchgreifende Auswirkungen auf die Anforderungen des Alltags. Gerade die Bilder scheinen dabei zunehmend die Geschäfte der Gegenwart zu führen: Ihr Auftreten bestimmt, begleitet und bedingt kulturelle und politische Prozesse gleichermaßen. Als Selfie, Erinnerungsstück, Beweisfoto, Clickbait, Internetmem, Fototapete und Bildschirmhintergrund agiert das Einzelbild in vielfältigen Beziehungen zu anderen Bildern. In diesen Aktionseinheiten werden die Bilder zunehmend unberechenbar in ihren Verbreitungseigenschaften und Wirkweisen. Als geschäftsführende kulturelle Einheit der Gegenwart verstanden, eignet sich gerade das Bild für eine eingehende Untersuchung, um die kleinteiligen, vielfältigen Veränderungen der Gegenwart in größerem Maßstab anschaulicher begreifen zu können. Zwischen Echtzeitsimulation, Meme-Engineering, Mona Lisa und Cat-Content erkundet dieser Vortrag die Möglichkeiten einer kunstpädagogischen Praxis auf Augenhöhe mit dem Bild der Gege
Konstanze Schütze, Kunstpädagogin und Kuratorin. Von 2010 bis 2016 leitete sie als wissenschaftliche Mitarbeiterin an der Universität zu Köln, Institut für Kunst & Kunsttheorie u.a. das Innovationsprojekt „.mbr – medienbildungsraum“. Sie ist Mitgründerin des Galerieprojektes storecontemporary.com (Dresden), der Agentur für Kunstvermittlung agency art education (Kassel/Berlin) und der Gruppe Methode Mandy. Aktuell arbeitet sie an Fragen der Kunstpädagogik und -vermittlung, nachdem das Internet neu war, und ist in verschiedenen Vermittlungsbereichen zwischen queerfeministischer und transkultureller Perspektive im Sinne einer kritischen Kunstvermittlung aktiv. Arbeitsschwerpunkte: Bildlichkeit nach dem Internet (Dissertation), Art and the Post-Digital Condition, Aktualisierungen für eine Kunstvermittlung nach dem Internet.
Rolltreppen, Toaster, interaktive Kunstinstallationen: Alle gesteuert von Microcontrollern. Die Kleinstcomputer bewegen Motoren und regulieren Sensoren. Sie sind heutzutage schnell und einfach mittels visueller Programmiersprachen ansprechbar. Im Kunstbereich ist sicher der in Italien entwickelte Arduino das bekannteste Modell und mittlerweile gibt es zahlreiche Performances und Kunstprojekte, die Microcontroller einsetzen. Am Beispiel des Calliope mini, der für den Einsatz in Schulen entwickelt wurde, zeigt sich, wie Kunst, Maker-Bewegung und ästhetische Bildung zusammenkommen. Mit dem Calliope mini sollen digitale Mündigkeit und handlungsorientierte Projektarbeit verstärkt auch im Kunstunterricht gefördert werden.
Nora Perseke studierte in Bremen, Bologna und Berlin. Ihr Forschungsschwerpunkt war die Untersuchung von Relationen zwischen Kulturtheorie und kultureller Wirklichkeit. An der Humboldt-Universität zu Berlin erwarb sie einen Master in Kulturwissenschaft. Seit 2015 arbeitet sie im Team der EU Code Week am Design Research Lab der Universität der Künste Berlin. Die Code Week ist eine europäische Graswurzelinitiative, die Programmierkenntnisse spielerisch und kreativ an Kinder, Jugendliche und alle Interessierten vermittelt. Neben ihrem Engagement für die Code Week ist sie tätig für die Calliope gGmbH, die mit dem Mikrocontroller Calliope mini digitale Bildung an deutsche Grundschulen bringt.
Das Projekt Ästhetische Praxis als Medienkritik untersuchte vor dem Hintergrund der Herausforderungen der postdigitalen Gesellschaft aktuelle Formen und Praxen von Kritik. Vier interdisziplinäre Workshops bildeten die Basis einer Bestandsaufnahme kritischer Medienpraxis in der aktuellen Medienkultur. Ziel des Projekts war es, die künstlerische Praxis und ästhetische Reflexion ausgewählter Künstler*innen als medienkritische Praxis für den erziehungswissenschaftlichen Diskurs (insb. Ästhetische Bildung und Medienpädagogik) zu erschließen. Eine leitende These dabei war, dass die künstlerischen Arbeiten Aufschluss darüber geben, wie kritische Praxis in der postdigitalen Medienkultur verstanden werden kann und dementsprechend in medienbildungstheoretischer Perspektive Medienkritik überdacht werden muss.
Der Vortrag formuliert einige Zwischenergebnisse, die sich in der Beschäftigung mit dem Themenkomplex über die vergangenen drei Workshops geformt haben. Er versucht eine erste tentative Auslegung ästhetischer Praxis als medienkritische Praxis in medienbildungtheoretischer Perspektive.
Manuel Zahn studierte Sonderpädagogik, Erziehungswissenschaft, Philosophie und Psychologie an der Universität Hamburg und promovierte über „Ästhetische Film-Bildung“. Seit dem Sommersemester 2017 ist er Professor für Ästhetische Bildung am Institut für Kunst & Kunsttheorie der Universität zu Köln. Zuvor war er Vertretungsprofessor für Kunstpädagogik an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig und Wissenschaftlicher Mitarbeiter an den Universitäten Oldenburg und Hamburg. Seine Arbeitsgebiete sind Erziehungs- und Bildungsphilosophie, Medienbildung (insbesondere Filmbildung), Kunstpädagogik und Ästhetische Bildung in der digitalen Medienkultur.
Der Vortrag führt das Konzept poetischer Spielzüge ein und zeigt Beispiele aus Bildungsprozessen auf. Ausgangspunkt ist ein prozessontogisches Verständnis sozialer Wirklichkeit. Kreativität ist dann eine Form der Auseinandersetzung mit der Welt, in der Individuen oder Gruppen versuchen in produktiver Weise mit andernfalls unbestimmten Situationen umzugehen.
Prof. Dr. Heidrun Allert ist Professorin der Pädagogik, Schwerpunkt Medienpädagogik/Bildungsinformatik an der Christian-Albrechts-Universität zu Kiel. In ihrer Forschung befasst sie sich mit der Untersuchung von epistemischen Praktiken, Design als Untersuchung, Kreativität als soziale Praktik sowie mit Digitalisierung und Algorithmisierung in der Bildung unter praxistheoretischer Perspektive.
Ausgehend von Cécile B. Evans Arbeit Amos’ World: Episode one (2017) nähert sich der Vortrag der Frage an, wie in der heutigen kuratorischen oder lehrenden Praxis neue Räume für ein kritisches Denken gewonnen werden können. Evans erster Teil der Film-Triologie folgt dem Protagonisten Amos, dem Architekten einer sozial-progressiven Wohnsiedlung im Stil des Brutalismus und einigen ihrer Bewohner/innen. Während Amos anfangs noch schwärmerisch die Vision eines besseren Lebens beschreibt, die durch seine Architektur verwirklicht werden soll, beginnt diese Vision durch Kommentare einer Personifikation des Wetters, sowie die filmischen Porträts der Bewohner/innen bald erheblich zu bröckeln. Zudem wird deutlich, dass Amos Architektur nicht allein für die brutalistischen und kompromisslosen Betongebäude der 1950er bis 1970er Jahre steht. Sie muss vor allem als materialisierte Metapher für die digitalen Infrastrukturen unserer Netzwerkgesellschaft begriffen werden. Die Erzählstränge von Amos world: Episode one vereint einen unkritischen Eskapismus mit einer offenen Kritik an diesen digitalen Infrastrukturen und ihren Utopien – jedoch nicht ohne diese Kritik wiederum selbst in ihrem Scheitern und ihren Möglichkeiten zu präsentieren. Abgesehen von diesem prüfenden Abtasten der Kritik eröffnet die Arbeit drei weitere Perspektiven, die im zweiten kürzeren Teil des Vortrags zu drei zentralen, miteinander verwobenen Ansatzpunkten für kritische Denk- und Handlungsweisen entwickelt werden: Der erste deutet den Eskapismus als eine produktive Verweigerung, die im besten Fall eine neue Welt erschließen kann. Der zweite übt Kritik an der professionellen Mobilisierung (Pignarre/Stengers) als ausschließende Einhegung in eigene Paradigmen, Konzepte und Wertmaßstäbe. Der dritte findet im transversalen Denken (Guattari) ein kritisches Werkzeug für das Aufbrechen hegemonialer Logiken und Hierarchien.
Susanne Witzgall ist Initiatorin und wissenschaftliche Leiterin des vom BMBF geförderten cx centrum für interdisziplinäre studien an der Akademie der Bildenden Künste München. Sie studierte Kunstgeschichte, Theaterwissenschaften, Psychologie und Kunstpädagogik an der Ludwig-Maximilians-Universität München und der Universität Stuttgart, wo sie 2001 promovierte. Von 2003 bis 2011 lehrte sie am Lehrstuhl für Kunstgeschichte an der Akademie der Bildenden Künste München. Darüber hinaus war sie als freie Kuratorin und von 1995 bis 2002 als Kuratorin am Deutschen Museum Bonn und Deutschen Museum, München tätig. Sie ist unter anderem Kuratorin bzw. Cokuratorin der Ausstellungen: Art & Brain II (1997/1998), Das zweite Gesicht (2002), Say it isn’t so (2007), (Re)designing nature (2010/2011) sowie Autorin und Herausgeberin zahlreicher Bücher und Aufsätze zur zeitgenössischen Kunst, zum Verhältnis von Kunst und Wissenschaft und zu Themen aktueller interdisziplinärer Diskurse. Hierzu zählen ihre Monographie Kunst nach der Wissenschaft (Verlag für moderne Kunst, 2003) sowie New Mobility Regimes in Art and Social Sciences (hrsg. mit Gerlinde Vogl und Sven Kesselring, Ashgate, 2013), Macht des Materials/Politik der Materialität, Fragile Identitäten, Die Gegenwart der Zukunft (alle drei hrsg. mit Kerstin Stakemeier, diaphanes, 2014, 2015 und 2016) sowie Reale Magie (2017).
Der Vortrag stellt die Arbeit »New Eelam. Liquid Citizenship« von Annika Kuhlmann und Christopher Kulendran Thomas im Rahmen der Tagung »Ästhetische Praxis als Medienkritik« vor. Alexander Klütsch folgt dabei zunächst seiner persönlichen Rezeptionsgeschichte der Arbeit, die mehrere Phasen durchlief, von Affirmation über kritische Auseinandersetzung bis hin zu einigen Zweifeln. Im Rahmen der Tagung und durch die Beschäftigung mit der langen Video-Version, die nicht jedem zugänglich ist und auch nicht Teil der ausgestellten Arbeit auf der 9. Berlin Biennale war, wird versucht einer möglichen politischen Intention der Arbeit auf die Spur zu kommen. Nach einer ausführlichen Beschreibung der Inhalte der Videoarbeit wird die Arbeit auf ihr möglicherweise utopisches Potential hin überprüft. In einem nächsten Schritt schaut sich Klütsch die Arbeit aus der Perspektive der sogenannten Metamoderne an und fragt sich, ob man sie in diesem Verständnis lesen kann. Schließlich werden als Anregung für ein Weiterdenken im Workshop noch einige offene Fragen an die Arbeit formuliert.
Alexander Klütsch (Jahrgang 1978) studierte zunächst Philosophie, Geschichte und Politik, anschließend Philosophie und Kunst für Lehrämter in Köln. Seit Ende 2014 ist er wissenschaftlicher Mitarbeiter am Institut für Kunst & Kunsttheorie der Universität zu Köln. Derzeit arbeitet er an seinem Dissertationsprojekt über das Verhältnis von Mensch und Natur/Kultur und über Utopien in der zeitgenössischen Kunst.
Bezogen auf den Internet-Kontext meint Trolling das Eingreifen anonymer User auf digitalen Plattformen mit dem Ziel, emotionale Überreaktionen zu provozieren. Über eine spezifische Art der Verwendung massenmedialer Rhetoriken können auch „künstlerische Trolle“ eine auf „criticality“ bedachte Kunstwelt provozieren, um dieser ihre Voreinstellungen anhand kontrovers dargebotener Themen vorzuführen. Durch offensichtliche Verkürzung und Verzerrung können sie für lebendige Diskussionen sorgen, sowohl über die von ihnen aufbereiteten Themen als auch über die Angemessenheit der Aufbereitung. Anhand der Arbeit „New Eelam“ von Christopher Kulendran Thomas und Annika Kuhlmann geht der Vortrag dem Potential solcher ideologisch zweischneidiger Arbeiten nach, uns dazu zu bringen, zu medialen, auch künstlerischen Zusammenstellungen des Politischen Stellung zu beziehen.
Ellen Wagner ist freie Autorin und Kuratorin. Texte von ihr erschienen u. a. auf dem Artblog Cologne und in der Springerin. Nach ihrem Studium an der Akademie der Bildenden Künste in Nürnberg schrieb Ellen Wagner ihre Dissertation zu Strategien der Mimikry in der Post-Internet Art an der Hochschule für Gestaltung in Offenbach a. M.
